LA TECNICA E IL SIGNIFICATO DEI GIRASOLI DI VAN GOGH

Affrontiamo un' analisi del capolavoro "I girasoli" di Van Gogh, esaminandolo dal punto di vista della composizione,  della tecnica, del colore e del suo significato.

La tela con i girasoli, che esamineremo in questo articolo, è conservata presso la Neue Pinakothek di Monaco, ed è solo una delle numerose tele con questo stesso soggetto, che Van Gogh dipinse nel corso della sua intesa ma breve carriera di pittore.

La tecnica pittorica di Vincent Van Gogh, è personale e potente. Caratterizzata da una forte connotazione espressiva, unita ad una elevata sensibilità cromatica e poetica, fa si che egli sia uno degli artisti più amati dal pubblico contemporaneo.

PARLIAMO DI GRAFFITI, STREET ART E WRITERS

Cosa si intende per Street Art? Questo termine che è ormai diventato molto popolare nell'arte contemporanea, è traducibile in italiano col sinonimo di "arte di strada" oppure  semplicemente con il termine di "graffiti". 

Nel contemporaneo è divenuta una pratica accettata anche da galleristi e dal mercato dell'arte, al punto che molte opere di Street Art raggiungono quotazioni elevatissime.

Chi sono dunque i fantomatici street artists che dipingono sui muri delle nostre città? quali di loro sono i più famosi e quotati?  e quali possono essere considerati veri artisti, al punto che per le loro opere si è parlato di una versione urbana e a cielo aperto della Cappella Sistina?

Un graffito di street art fotografato su un muro di Milano in zona Piazza Piemonte - Marghera

I GRAFFITI SONO ARTE O VANDALISMO?

IL "WRITING"

Sul finire degli anni 70, a New York, i giovani delle periferie cominciarono a scrivere i loro nomi (o più spesso il loro pseudonimo o nick-name) sui muri della città, sui mezzi pubblici, sui treni o nelle stazioni, dando vita così al cosiddetto writing, progenitore diretto della attuale Street Art.

LA TECNICA PITTORICA DI MICHELANGELO

Quale è la tecnica pittorica che Michelangelo utilizza nella Cappella sistina? Michelangelo fu prevalentemente uno scultore, ma nel corso della sua carriera artistica venne chiamato da Papa Giulio II a dipingere i meravigliosi affreschi della volta nella Sistina e del retro dell'altare dove è collocato il Giudizio Universale. 

Vediamo in questo post come dipinge Michelangelo e con quale metodo realizza i suoi capolavori.

I veggenti della Cappella Sistina

CHI ERA MICHELANGELO BUONARROTI

Michelangelo nacque ad Arezzo il 06 marzo 1475 (da padre fiorentino) e morì a Roma nel 1564. Fu Scultore, architetto ma anche grandissimo pittore, e gli affreschi della Cappella Sistina ne testimoniano l'immenso valore.

LEONARDO DA VINCI - IL TRATTATO DELLA PITTURA

 Cosa ci può insegnare, ancora oggi, il Trattato della pittura scritto da Leonardo da Vinci? Vediamo in questo post quali fondamentali princìpi ci lascia in eredità il grande maestro nel suo scritto senza tempo.

CHI ERA LEONARDO

Leonardo da Vinci figlio illegittimo di un notaio, sin da giovanissimo manifestò spiccate doti artistiche, al punto che fu messo a "bottega" presso il suo primo e celebre maestro: il Verrocchio, che gli trasmise la maestria del disegno, della pittura ma anche quello spirito di ricerca e di studio continuo, che caratterizzò tutta la vita di Leonardo.

10 REGOLE PER PRESENTARSI AD UNA GALLERIA D'ARTE

Come deve presentarsi un artista emergente ad una galleria d'arte? Quali passi può compiere? e quali invece, gli errori grossolani da evitare? Vediamo di fare il punto su questo aspetto del lavoro artistico che non è da trascurare.

Galleria d'arte moderna e contemporanea

Uno dei problemi che un artista emergente deve affrontare è quello di come entrare a far parte del circuito dell'arte. Una volta prodotte le proprie opere, occorrerà presentarle ad un potenziale pubblico, che possa ammirarle e anche acquistarle, permettendo così all'artista, di ottenere un'entrata finanziaria e la soddisfazione di vedere apprezzato il proprio lavoro.

IL CORPO NELL'ARTE E NELLE NEUROSCIENZE

Come è stato utilizzato il corpo nell’arte? ed in particolare quello dell'artista, che ruolo ha avuto nella realizzazione delle opere d'arte?

Il corpo umano è da sempre vissuto dagli artisti come un terreno da esplorare,  un luogo conosciuto e nello stesso tempo misterioso, da utilizzare come fosse una tela bianca su cui dipingere, o materia con cui scolpire. 

IL DIARIO DI DELACROIX

La passione che Delacroix nutre per la pittura è chiaramente espressa in molti passaggi del suo celebre diario.

Quali parole migliori  di quelle di un grande artista, possono aiutare i pittori di oggi nella loro formazione e nella conseguente ricerca pittorica? Allora lasciamo parlare il maestro! Sentiamo cosa ci racconta, quali esperienze ha fatto, nella vita e nell'arte,  e vediamo cosa ci può trasmettere ancora oggi.

LA BARCA DI DANTE - E. Delacroix

CHI ERA EUGENE DELACROIX

(26 aprile 1798 - 13 agosto 1863) Eugéne Delacroix, il cui nome completo era Ferdinand Victor Eugéne Delacroix, nasce in Francia, da una famiglia alto borghese. 

Molto dotato, grande disegnatore, compie il suo apprendistato presso l'atelier di Guérin, dove oltre ad apprendere il "mestiere" stringe profonda amicizia con Théodore Gericault, pittore di talento che purtroppo muore a soli 33 anni, lasciando però nella pittura di Delacroix un segno indelebile.

L'OSSESSIONE DELL'ARTISTA PER IL SUO LAVORO

Che cos'è l'ossessione? E perché gli artisti, in particolare, ne sono colpiti?

Il comportamento ossessivo dell'artista - La creazione Cappella Sistina - Michelangelo Buonarroti

Se per ossessione intendiamo una  "presenza persistente ed ineliminabile di un'idea o emozione" certamente la maggior parte delle persone sane, almeno una volta nella vita hanno sperimentato questo stato d'animo. 

Ancor più però, gli artisti sono particolarmente inclini a nutrire ossessioni; ed in particolare nei confronti del proprio lavoro.

IL COLORE SPIEGATO DA VAN GOGH

Come utilizzava il colore "Van Gogh" ? Il grande artista olandese ne parla spesso nelle sue lettere. Vediamo allora in questo post, direttamente dalle parole di Vincent, rivolte al fratello Theo, come egli pensava e concepiva l'utilizzo del colore nelle sue meravigliose tele.

Notte Stellata - V. Van Gogh - olio su tela

"Vincent Van Gogh" parla insistentemente di colore e di come utilizzarlo in pittura nelle lettere scritte nell'autunno del 1885. Dipinge una ventina di nature morte tra settembre e ottobre, cercando di applicare le nozioni di teoria del colore che apprende leggendo e rileggendo più volte il libro dell'incisore francese Félix Bracquemond dal titolo Du dessin et de la couleur, e cercando di metterle in pratica nei suoi studi ad olio.

IL BIANCO, NERO E ORO DI CENNINO CENNINI

Con questo articolo concludiamo la rassegna sull'origine dei colori, sulla loro provenienza e soprattutto su come gli artisti li utilizzavano nelle loro opere. 

Gli ultimi pigmenti che esaminiamo, traendo preziose informazioni dal trattato di Cennino Cennini sono il Bianco, il Nero e il color Oro.

Ne Il libro dell'arte, l'autore, parimenti agli altri colori della tavolozza,  spiega agli artisti del suo tempo, la provenienza del pigmento bianco, di quello nero e aggiunge qualche nota sul colore oro, descrivendo le loro caratteristiche e soprattutto dando consigli per come utilizzarli in pittura.

Tubi di colore ad olio - vari tipi di bianco

IL LIBRO DELL'ARTE DI CENNINO CENNINI

Il testo di Cennino Cennini scritto intorno al 1398, fu dimenticato nel giro di qualche decennio, per poi essere riscoperto un secolo e mezzo dopo, in occasione della seconda edizione delle Vite del Vasari.

COME FUNZIONA IL LAVORO DI ARTISTA

Quali difficoltà incontra l'artista nello svolgimento del proprio mestiere? Il lavoro di artista presenta solo gioie, oppure come tutte le altre professioni, comporta frustrazioni e un senso di "alienazione"? In questo articolo affrontiamo questi aspetti della carriera artistica.

Marc Chagall

LA FIGURA DELL'ARTISTA CONTEMPORANEO

In una inchiesta sociologica francese del 1985, un gruppo di studiosi guidati da Raymonde Moulin e Jean Claude Passeron, ha cercato di delineare la figura dell'artista professionista, individuando le caratteristiche di chi, nella nostra società contemporanea, può essere definito obbiettivamente  "artista" attivo nel campo delle arti figurative.

DIVENTARE COME VAN GOGH

Che cos'era la pittura per Van Gogh? Come entrare nella sua testa e, attraverso le lettere che scrisse al fratello Théo, ripercorrere il cammino che lo ha portato alle vette elevatissime dell'arte?

In questo post cerco di esaminare, per quanto le mie competenze me lo permettono, ragionando da artista rivolta ad altri artisti, su cosa e su come Van Gogh ha fatto e pensato nel portare avanti il suo lavoro di pittore.

Per intraprendere questa esperienza partirò da una specifica lettera che Vincent Van Gogh scrisse dall' Aia nei primi giorni di agosto del 1883 a Theo, in calce alla quale è  inserita una incredibile premonizione che Van Gogh sente in cuor suo e di cui ne parla al fratello. 

Questa lettera contiene inoltre diverse frasi a mio parere particolarmente importanti e significative, che un pittore, artista o aspirante tale, dovrebbe conoscere e fare proprie.

CHI ERA VINCENT VAN GOGH

La biografia di Van Gogh è forse tra le più note al mondo, pertanto non voglio soffermarmi a parlare di date e cronologie, ma semplicemente indicare qualche breve nota riferita ad alcune caratteristiche della personalità di Vincent, che hanno segnato la sua vita di uomo e di artista.

COME DEFINIRE IL VALORE DI UN'OPERA D'ARTE

Come viene definito il valore commerciale di un'opera d'arte? Quali fattori influenzano la quotazione di un dipinto, di una scultura o di lavoro concettuale? Vediamo in questo articolo come l'opera di un artista può essere valutata ed immessa nel sistema del mercato dell'arte.

Olio su tela di Cinzia Busto

IL "SISTEMA ARTE"

Nel passato affrontare le problematiche dell'arte considerando l'opera d'arte come un prodotto commerciale sembrava essere un approccio sbagliato e forviante. 

IL VERDE, LE TERRE E LE OCRE COLORATE DI CENNINO

In questo articolo parliamo del colore verde, delle terre e delle ocre. Vediamo come ce ne parla, e cosa ci consiglia, nel suo trattato Il libro dell'arte, il Cennino Cennini.

Da dove si ricavano i pigmenti appartenenti alle terre e alle ocre e quale era la loro provenienza? E il verde invece come veniva prodotto? Infine, quale era il miglior utilizzo di questi colori in pittura?

tubi di colore a olio nella gamma dei verdi

CENNINO: IL COLORE GIALLO

Giallo, il colore del sole, della luce e della gioia. Vediamo come ce lo descrive Cennino Cennini nel suo trattato "Il libro dell'arte" e come questo pigmento veniva prodotto in epoca medioevale.

Da quali materiali si otteneva il giallo che i grandi artisti ci hanno tramandato attraverso le loro splendide opere? Quali gialli consiglia il Cennini e quali invece era meglio non utilizzare?

Tubi di colore a olio giallo

IL COLORE ROSSO DI CENNINO

Il colore rosso descritto e raccontato da Cennino Cennini nel suo celebre trattato, viene esaminato in questo articolo, passando in rassegna alcuni dei più bei rossi che erano in uso dall'antichità sino al Rinascimento.  

Quali erano le loro origini e da dove veniva ricavato il pigmento che li componeva?. Quali, inoltre, i colori della gamma del rosso prediletti dagli artisti?

GUERCINO - LA TECNICA PITTORICA

Quale era la tecnica pittorica che utilizzava il Guercino? Come iniziava e poi portava a termine i suoi dipinti? Vediamo in questo post quale procedimento metteva in atto questo grande maestro del '600.

Un dipinto di Guercino - particolare

CHI ERA IL GUERCINO

Giovanni Francesco Barbieri, detto il Guercino è considerato tra i maggiori artisti italiani. Nacque a Cento, nei pressi di Bologna nel 1590 e visse fino al 1666. 

I COLORI DI CENNINO CENNINI : IL BLU

Con questo articolo dedicato al BLU, iniziamo una rassegna sui colori, prendendo le mosse da come li descrisse il Cennino Cennini  nel suo trattato " Il libro dell'Arte". 

Il colore blu fu, nell'epoca in cui Cennino visse, un colore molto ricercato e prezioso, e lui, nel suo autorevole manuale di tecnica artistica, ce lo racconta così...

CHI ERA CENNINO CENNINI

Cennino Cennini fu pittore di scuola fiorentina, nato a Colle Val d'Elsa in Toscana, ed attivo tra la fine del 1300 e l'inizio del 1400. 

Fu un artista Cennino, al quale pare venne commissionata la scrittura di un trattato da parte di una potente corporazione che, in quegli anni,  tutelava e regolamentava l'attività dei pittori di Padova; luogo dove Cennino si trasferì nell'anno 1398.

Vediamo allora nel dettaglio quali erano i colori della gamma del blu, di cui ci parla il Cennini nella sua opera letteraria.

LA BOTTEGA DI UN ARTISTA NEL RINASCIMENTO

Come era organizzata la bottega rinascimentale, e come avveniva l'insegnamento agli allievi da parte del maestro di bottega? Quali strumenti utilizzavano gli artisti per trasmettere le loro conoscenze? Vediamolo in questo articolo.

La formazione degli artisti, in un periodo straordinariamente fecondo quale è stato il Rinascimento era prevalentemente affidata al disegno. In ogni bottega artistica rinascimentale esisteva un vasto repertorio di disegni, dai quali gli allievi traevano insegnamento, copiandoli e ricopiandoli infinite volte, sino a che non si impadronivano della capacità tecnica che li rendeva degni di operare a fianco del loro maestro,  e a volte di giungere persino a superarlo. 

LA BOTTEGA DI UN ARTISTA NEL RINASCIMENTO

Famoso è l'episodio in cui si narra che il Verrocchio, maestro di Leonardo, non volle più toccare pennello dopo aver visto un bellissimo angelo dipinto dal proprio allievo, che superava in bellezza e maestria tutti gli altri dipinti da lui.

Con i modelli di disegno il maestro mostrava ai discepoli, il suo modo di vedere, la sua tecnica, il suo mestiere; e con quei fogli l'allievo apprendeva ed imparava a trovare le proporzioni, la forma e il volume, i valori tonali, sino a quando avveniva il passaggio del "testimone", e l'allievo, dopo anni di studio, era finalmente pronto per divenire a sua volta un maestro.

Il termine "bottega" deriva dal latino "apotheca" (termine di derivazione greca) e significa magazzino, ripostiglio; il termine era utilizzato sin dal Trecento per definire un luogo dove le opere venivano materialmente realizzate ma anche poste in vendita. La bottega si configura così, sin dalla nascita, come luogo di lavoro e di pensiero, dove l'artista progetta le sue opere, dipinge, scolpisce, aiutato dai suoi collaboratori, ma dove anche il maestro tiene scuola. 

L'abitazione dell'artista è raramente posta nelle vicinanze della bottega, che preferibilmente aveva una posizione centrale, in un punto di grande passaggio e traffico commerciale. Il maestro preferiva invece abitare con la famiglia, nella periferia, in prossimità delle mura perimetrali che cingevano il borgo; affacciato sulla campagna e con la possibilità di avere un giardino e un orto, mentre il suo luogo di lavoro era posizionato nelle zone di mercato e lungo le direttrici di maggior passaggio, non solo cittadino o nazionale, ma addirittura internazionale.

LA SECONDA VISTA DELL’ARTISTA

Cos'è la seconda vista? Cosa si intende per occhio interiore?  questa particolare capacità, di cui sarebbero dotati i maghi e gli artisti, che li pone in grado di guardare oltre la barriera del visibile per scendere nel profondo del proprio "Io"?

Questo articolo è tratto dallo studio che ho svolto per scrivere la mia tesi di laurea in Accademia di Brera, e che percorre l’ evoluzione del concetto di “seconda vista”, nato col primo romanticismo alla fine del ‘700, che fu alla base della poetica di tutti quei pittori che distolsero il loro sguardo dalla realtà esteriore per rivolgerlo verso sé. 

Van Gogh - olio su tela

La mia ricerca inizia con l’esame del Romanticismo e l’analisi del mutamento dello sguardo dell’artista, che dalla mimesi della natura passa alla rappresentazione di un mondo interiore ricreato con il filtro del proprio sentimento e della propria passione. 

Ho cercato poi di rintracciare la sopravvivenza e l’evoluzione, sia della poetica romantica, che è riscontrabile in numerosi artisti anche di epoche successive a quella cui si fa storicamente risalire il Romanticismo, sia della convinzione che l’artista, attraverso il proprio sentire possa rappresentare il paesaggio della propria anima, utilizzando gli stessi meccanismi creativi propri della natura, ottenendo così un’opera che, pur muovendo dalla natura, possa giungere ad essere una creazione totalmente autonoma e differente.